クラシック音楽 名曲ナビ

クラシック音楽の歴史に残る名曲・名演奏の中から、今回取り上げる1曲は…




シャコンヌ 〜J.S.バッハ作品集 1

日本を代表するギタリストとして、1955年大阪生まれの福田進一は最有力候補。
円熟の域に達した彼が、2011年からバッハ・チクルスを開始しました。
その第1弾をご紹介します。

シャコンヌの原曲は、バッハの「無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ第2番BWV. 1004」ということで、ヴァイオリンの曲です。

それを、ギターでシャコンヌ。想像するだけでその音色に期待が膨らむのですが、期待通りというか、予想を超えるというか、この音色は絶妙。
現代のヴァイオリンなんかだと、結構ドラマティックに演奏されることも多いシャコンヌですが、
バッハの時代ならヴァイオリンももっと音量が控えめだっただろうし、
チェンバロやリュートで演奏したかも知れない。
そんな想像をしながら聴くと、なんだかしっくり来る気がします。

続編が楽しみです。

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ひょんなことで、異様にテンションの高い評価が沢山あることに気付いたので、紹介します。
20世紀ソ連ーロシアの作曲家、カプースチンです。

「いやー、こんなにかっこいいピアノは初めてです。」
「個人的には最近５年間で最高にハマった１枚です。」
「１年間探し続けてやっと巡り会えた」

1961年モスクワ音楽院卒業なので、スターリンが死去した後の時代、ブレジネフの停滞の時代に活動を開始した作曲家です。
ソ連というとジャズのような「廃頽的な」音楽は規制の対象のようなイメージがありませんか？
ソビエト中を演奏旅行するジャズ・オーケストラなんてものがあって、そのピアニストだった人です。1980年以降、作曲に専念するようになりました。

2000年に初盤が発売された時、かなりの衝撃を持って迎えられ、当時の音大のピアノ科生徒が夢中になって楽譜を探し回っていたそうです。
確かに、聴くより弾く事が楽しそうな、カッコいい曲です。

女優の松下奈緒が音大生だった頃、卒業演目に選んだというエピソードもあります。

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前回、ワーグナーで「機能和声」を取り上げましたが、その続編のつもりで。

リヒャルト・シュトラウスの「アルプス交響曲」を紹介します。
リヒャルト・シュトラウスはワーグナーより51年後に生まれた作曲家ですが、「機能和声」を極限まで使いこなした作曲家です。そして、大層な自信家だったようです。

シュトラウスは、「私には、どんな些細なことでも音楽で表現できないものはない」と豪語したと言われるくらい、情景を音で表現してみせることに長けた作曲家で、数多くの有名な標題音楽を残しています。

「アルプス交響曲」も完全な標題音楽で、具体的にアルプス登山の光景をスケッチしたかのように、具体的な22の表題がつけられています。

「日の出」
「登山口」
「小川に沿っての歩み」
「滝」
「危険な瞬間」
「日没」

など。

ガイドブックを見ながらアルプス交響曲を聴いてみたら、アルプス登山をバーチャル体験できるかも知れませんよ。

CDは、定評のあるルドルフ・ケンペ指揮　ドレスデン国立歌劇場管弦楽団をお勧めします。EMI特選、まさに名盤です。
大袈裟にならず質実剛健な響きで、落ち着いて「アルプス登山」ができます。

解説本として、ここで敢えてスコアをお勧めします。ここには、アルプス交響曲の作曲された背景事情や、場面ごとの詳しい解説が載っています。
解説だけでも、目にする価値がありますよ。
更に、具体的に楽譜を見れば、「ああ、こうやって夜明けが近づいてくるんだな」「いよいよ日の出だ」など、表題音楽ならではの楽しみ方ができます。
小説みたいですね。

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ワーグナーといえば、全編演奏すると4日間かかる『ニーベルングの指環』はじめ、壮大な舞台歌劇を思い起こし、「お腹一杯」なイメージが湧いてきませんか？
多分その理由は、曲の壮大さもさることながら、「機能和声」というキーワードも関わってくると思います。

「機能和声」とは、簡単に言ってしまうと、音の組み合わせ方（コード）と、その進行のパターンごとに、メッセージを秘めているということです。
こういう和音からこういう和音に変化させると、「緊張」を意味する、など。

ワーグナーは、音楽史上「機能和声」を最も極めた作曲家の一人で、ワーグナーの歌劇を聴いていると、場面の展開にあわせてテンポよく音楽が変化していきます。

このCDは、20世紀を代表する大指揮者クラウス・テンシュテットとロンドン・フィルによる、ライヴ録音です。
舞台のような輝きと重厚感に満ちていて、舞台を見ている気分にひたりながら、音楽の変化に耳を傾けてみてください。

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年末なので、いきおい第九のプロモーションが増え、第九が好きな私としては嬉しいことです。
 「ローマ教皇ベネディクト16世のためのコンサート」を取り上げてみたいと思います。
2007年10月27日に法王ベネディクト16世臨席で行われた記念コンサートです。

演奏ですが、まずは迫力と緊張感がみなぎっているという第一印象。第一楽章の冒頭からフィナーレまで、心地良い圧倒感に浸れます。
そして、演奏の伸びやかさ。重々しさやテンポを揺さぶるやり方とは対極の表現をとっています。
全体的に、アクセントの効いた弾むような演奏なので、それが若々しい印象や緊張感につながっているように感じます。
法王を前にしているから、というのは影響しているのか？

DVDには、マリス・ヤンソンスとバイエルン放送交響楽団によるベートーヴェン「第九」のほか、バックステージを撮影したドキュメンタリー、インタビューも収録されています。
日本語字幕付き。

法王の姿を間近に見ることができる、いい機会かも。


 

「NAXOS Music Library」というサービスをご存知ですか？
222レーベル、CD40,000枚を月額1,890円で聞き放題の、音楽のインターネット図書館です。

http://ml.naxos.jp/

権利の都合上？古い演奏が多いなどの不都合がありますが、知らない作曲家、知らない曲にどんどんアクセスできます。
クラシック音楽を体系的に知りたい、と思っている人は、自分なりに期間を決めて入会するなど、工夫して使ってみてはいかがでしょうか。

このブログで紹介してきた演奏の中でも、バイロイトの第九など、歴史的な演奏？の類は、このサービスで聴くことができます。

そのサービス提供元でもあるレーベル「NAXOS」の、攻略本が発売されました。




私もまだ、手にとって読んでません。どちらかと言うとクラシック音楽に「広く」触れたい方向けになるのだと思います。
いずれチェックしてみたいと思っています。

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ブルックナー:交響曲第7番
マタチッチ(ロヴロ・フォン)

チェコ・フィルハーモニー管弦楽団
作曲: ブルックナー

ブルックナーの第7番と言えばマタチッチ。
マタチッチは何度も来日しN響を振り、「N響 伝説のライヴ マタチッチの芸術」なるシリーズのCDがあります。
豪快でエモーショナルな演奏が、当時の音楽界に旋風を巻き起こしました。音楽評論家宇野功芳氏の歴史的な証言があります。
「1965年秋、スラヴ・オペラの指揮者として初来日したときのマタチッチの≪ボリス・ゴドゥノフ≫は、日本のクラシック音楽界を震撼させた。誰よりもおどろいたのは指揮されたN響であった。全楽員が心酔、翌年からの度重なる来日公演が始まったのである。当時マタチッチは60代の半ば、脂の乗り切った全盛期にあり、巨体からくり出される音楽の巨大さ、その凄まじい熱気は比較するものとてなかった。とくにワーグナー、ブルックナー、チャイコフスキー、そしてベートーヴェンの迫力は東京文化会館や東京厚生年金会館が吹っとぶのではないかと思われた。そのN響とのライヴ録音が初CD化される。まさにレコード界の一大快挙である。わけてもベートーヴェンの1番、7番、ワーグナー・アーベント、チャイコフスキーの≪悲愴≫などのものすごさは文章にするのもおろか、実際に自分の耳で確かめていただくしか方法がない。」（宇野功芳）

このブルックナーはマタチッチらしく豪快で、逞しく、気持ちよく盛り上がります。
それと共に、実に深い呼吸で演奏されていて、特に前半の2つの楽章は他の演奏に比べて桁外れにスケールが大きい。これを聴かずして第７番は語ることができません。
どこにも緩みがないのはもちろん、音楽の持つ巨大なエネルギーの放射がすばらしい。
レーヴェ＆シャルクの改訂版を使っていて、至る所でオーケストレーションが変更されています。
すぐ聴き分けられるのはティンパニーで、ティンパニーの「どかどかどろろぉぉぉぉん」という響きが笑えてしまうほど沢山出てきます。
おそらく実演でこれを聴けば、その効果は言語を絶したに違いないでしょう。

ラフマニノフ:ピアノ協奏曲第2番(DVD付) [CD+DVD]

ASIN: B001E1TL9U

【CD】
ラフマニノフ ピアノ協奏曲 第2番 ハ短調 作品18
辻井伸行×佐渡 裕

【DVD】
ラフマニノフ レコーディング風景
辻井伸行×佐渡 裕

ショパン 幻想曲 ヘ短調
ショパン 舟歌 嬰ヘ長調
ショパン 前奏曲 第24番 ニ短調

すっかり時の人となった辻井伸行さん。何度も記事になっていますが、本当に親思いの人格が伝わってきます。
実はこの方のお父さん、「辻井産婦人科」の院長で、私の家から歩いて10分くらいのところに病院があります。
我が家の子は、この方に取り上げていただきました。子供が生れ落ちた時、予想外に体重があったので、「あれ、大きいな〜」とつぶやかれたのを憶えています。
飾らず実直な、いい方でした。

さて、辻井伸行さんご本人の音楽の方ですが、演奏を聴いたことのある方は分かると思いますが、細部まで解釈が行き届いた、緻密に感情を積み上げた演奏をなさる方です。
全曲暗譜していること、耳から聴こえる音を捉え、吸収し、解釈することに対する天性の才能の持ち主であることは一目瞭然（一聴瞭然？）です。

デビューCD以降、どのアルバムも、勢いに流されることなく何度も聴き返して楽しみ、発見することのできる演奏です。

音の飛躍が売りのラフマニノフの難曲を、楽譜も鍵盤も見ることなく、どういう演奏をするのか、聴いてみたくないですか？
 

村上春樹の長編小説「１Ｑ８４」が出版されました。Amazonで予約枠が全て埋まったなど、様々な話題を提供してくれています。
この本のオープニングで、タクシーの車内で流れる曲が、ヤナーチェクの「シンフォニエッタ」です。ヤナーチェクの作品の中でもおそらく最も有名な作品で、第1曲のファンファーレはトランペット12本を使用する壮大な作品です。
その他、バッハの「マタイ受難曲」「平均律クラヴィア曲集」、ダウランドの「ラクリメ」、ハイドンの「チェロ協奏曲」などが登場することもあり、クラシック・ファンには見逃せない一冊です。

作曲家の生地チェコの演奏家の演奏でお楽しみください。

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作曲: シューベルト
指揮: ヴァント(ギュンター)
演奏: ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団

シューベルトの「未完成」は、なぜ未完成なのか。
第2楽章まで書き上げ、第3楽章の9小節で終わってしまう。

明確な答えがないだけに、色々な説があります。
第1楽章と第2楽章を両方とも3拍子で書いてしまったため、スケルツォつまり3拍子とするべき3楽章が書けなくなった、という説もありますが、果たしてそんなことがあり得るのでしょうか。交響曲とは、4楽章構成にする構想であったなら、まず各楽章の組み合わせ方を最初に考えてから書くもののようです。

いずれにせよ、完成した1〜2楽章が美しく、またそれだけで十分に演奏時間がかかるため、演奏会のプログラムに載せるに支障がないですし、皆に愛されて名曲になりました。

みずみずしくロマンティックな曲想でありながら、常に緊張感と厳しさが漂うのは、今日紹介するヴァント＋ベルリンフィル管弦楽団の演奏。
凛として引き締まった演奏の中から、旋律がもつこの曲本来の叙情的な香りが漂ってくるよう。

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「ベートーベンが本質的にフィジカルな作曲家だとすれば、ショスタコーヴィチはメンタル」。
指揮者セミョーン・ビシュコフはこう言いました。
彼に言わせると、ショスタコーヴィチは「ストリート・ミュージック」だそうです。
つまり、一般市民の日常生活、ヒューマニティを音楽で描いたと。
確かに、ショスタコーヴィチは前衛音楽家ではなく、また交響曲には何かしらの「物語」が込められている訳で、では何を語っているのか、ということに対するひとつの解釈ではあるでしょう。

ソヴィエト当局から厳しく批判された1934年以降の交響曲を見てみると…

交響曲　第4番
初演の予定を自らの判断でキャンセル。

第5番
絶賛され名誉回復。

第6番〜第8番
戦時中のシンフォニー。対話的書式で、聴衆(つまり政府当局？)に分かりやすい音楽。覚えやすいメロディーと規則正しい音符の連続。意図的な単純さ。
彼が凄いのは、こういった制約を自ら課しながら、深みのある音楽に仕上げてしまうこと。

第9番
戦勝を祝う勝利の第交響曲を期待されながら、みごとに肩透かししてみせる。
意図的な単純さの中に、ありとあらゆるパロディーや皮肉を次々と入れ込んでみせる。さすがに当局にもバレ、ジダーノフ批判で窮地に追い込まれる。

第10番
このブログでも書いたことがあるが、スターリン賛歌を装った標題もいれてみせるが、実は「DSCH」（D.Shostakovichのイニシャル。D=レ、S＝ミ♭、C=ド、H=シ)の音形で謎めいたメッセージを含ませている。

第11番〜第14番
しばらく標題音楽の形式による表現。

第15番
再びクラシカルなスタイルに戻る。ロッシーニ、ワーグナー、自作などの引用。

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モーツァルトの交響曲は、作曲された場所によって二種類に分類することができます。
都市から都市へ、流浪の旅を続けながら作曲されたものと、ザルツブルクに定住し、有力者のために作曲されたものです。

旅先で書いた交響曲は、限られた滞在期間に、その場で遭遇する何かの目的のために書かれました。
ザルツブルク定住時代は、前もって分かりきっている、当地の有力者に売り込むために書かれました。

どちらにしても、モーツァルトの音楽は、ご当地の事情のために書かれた、「ローカル」な音楽と言えます。
ご当地の方々に対し、モーツァルトはその天才的なアイデアをもとに、当時の音楽語法を駆使し、言ってみれば、一般ピープルにも分かる話し方で、しかし、今まで聴いたことがない、意表をついて驚かせるために趣向を凝らして、交響曲を作って行ったのです。
が、残念な事に、聴く人々にとって理解がついていかず、サービスのしすぎで逆に疎まれてしまい、モーツァルトもモーツァルトでますます意固地になって奇抜な？アイデアを次々に盛り込み、悪循環を続けていったようです。

そして、そのまま失意のうちに亡くなってしまいました。

どの曲が、どちらにあてはまるのか、その地の事情はどうだったのか。
ローカルな事情を踏まえながら、モーツァルトを再考してみませんか。

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レナード・バーンスタインの名前を知らない人は、まずいないでしょう。
知らない、という人も、ミュージカル『ウエスト・サイド物語』の作曲者といえば、親しみが湧くでしょうか。

作曲家であり名指揮者、ピアニストでもあり、そして熱心な教育者。
「皇帝」カラヤンと同時代を生き、比較される「スーパースター」バーンスタインは、本人は作曲家として歴史に名を残したいと終始願っており、そのためのまとまった時間が欲しいと思っていたにも関わらず、ほとばしるエネルギーと人好きのため、指揮を始め多様な仕事を請けて悔いる、という人生を歩み続けた人でした。

音楽そのもの、音楽のすべてを愛した人だったと言えるでしょう。

そんなバーンスタインが、シナリオからレクチャーまですべてをこなしたテレビ番組が、「オムニバス〜音楽のよろこび」です。足掛け5年に渡り、全7回が記録されています。

1. ベートーヴェンの「第5交響曲」
2. ジャズの世界
3. 指揮法
4. アメリカのミュージカル
5. 現代音楽入門
6. ヨハン・セバスチャン・バッハの音楽
7. 何がオペラを大きくしているか?

どの回をみても、いかに分かりやすく、音楽の素晴らしさを聴衆に伝えようか、という熱意に満ちていて、ハートが伝わってきます。

例えば「第5交響曲」の回では、スタジオの床に大きな五線譜を描き、その上にそれぞれの楽器をもった楽団員を配置し、彼らを順番に退出させながら、ベートーベンがどのように推敲を重ね、結論に至ったかを分かりやすく解説してみせています。

「オペラ」の回では、オペラ『ボエーム』第3幕を、まず音楽なしの台詞だけでやってみせ、次に音楽つきで再現することで、オペラの何たるかを実感させてくれています。

オーケストラの指揮の最中に、思わず飛び上がったまま舞台から転げ落ちるような、熱いハートの人、バーンスタインその人を、DVDで見ることができます。
クラシック音楽の素晴らしさをハートで感じたい方は、是非この「名作」をご覧下さい。

クラシック音楽の歴史に残る名曲・名演奏の中から、今回取り上げる1曲は…

ショスタコーヴィチの数ある交響曲のうち、カラヤンが演奏したのは、交響曲第10番だけです。何故でしょう。
ショスタコーヴィチの作品には、どうしても政治的な色が見えてしまいます。音楽の背後にあるニュアンスが、カラヤンの美学に合わなかったのかも知れません。

ショスタコーヴィチの交響曲第10番は、ちょっとしたエピソードを持っています。
カラヤンがベルリンフィルを引き連れてモスクワ音楽院大ホールに乗り込んで演奏した時のことです。
客席で聴いていたショスタコーヴィチ本人が、演奏後感激のあまりステージに上る、という「ハプニング」が起こりました。
演奏を聴いてみると、カラヤンにとって交響曲第10番は、音響的に、演奏のし甲斐がある一曲だったのではないかと思います。

いつものカラヤンとベルリンフィルの演奏からは容易に想像できないほどに鮮烈でスピード感とキレ のある演奏が聴かれ、
ここでは持ち前のレガートを駆使したリッチでエレガントな表現に代わって、整然としたアンサンブルの中にも戦慄的な緊張感の漂う表現が貫かれていて、
その激烈なまでにアグレッシヴな追い込みは、聴いていて痛みと恐怖を感じるほどであり、カラヤンがこれほどまでに恐ろしい演奏をすること があるのかと、
ただただ驚くばかりでした。

< p>【 カラヤン指揮のバッハとショスタコーヴィチ，モスクワライヴより引用】

人によってはこれがカラヤンのベストと言う人もいるくらいで、演奏の水準は非常に高いです。きちんと設計され、意味づけされ、ミスもなく、名演と言っていいでしょう。
確かにカラヤンの別の一面を覗かせるような演奏だと思います。が、それと同時に、良くも悪くもカラヤンらしい、カッコいい、スタイリッシュな、流麗華美な演奏でもあります。
ベルリンフィルの高い技術力に裏打ちされ、表現からは政治色が排された機能的な演奏を聴いて、ショスタコーヴィチも胸のすく思いだったのかも知れません。
当然ロシア臭くもなく、第2楽章の「スターリンの肖像」と言われるモティーフも、あまりスターリンらしくありません。

音符は読めない、という方でも、「楽譜を読む」ことはできるのです。

チャイコフスキーは日本人に人気の高い作曲家の一人です。
私のお世話になったロシア人の幾人から、なぜ日本人はチャイコフスキーが好きなのか、と尋ねられたことがあります。
また、モスクワ在住中には何度もコンサートに足を運びましたが、チャイコフスキーが特段の人気を博している訳でもなさそうです。

故国ロシアよりも、日本での格付けの方が高いように思われますが、何故でしょう。
「白鳥の湖」や「くるみ割り人形」に代表されるバレエ音楽のメロディーラインとフレーズの美しさ、ビアノ協奏曲やヴァイオリン協奏曲に代表される情緒的な曲想などが、日本人の心の琴線によく響くのでしょう。
誰だったか、チャイコフスキーの音楽を演歌になぞらえて人気の秘密を論じているのを聞いたことがあります。
チャイコフスキーと演歌では、ちょっと距離があり過ぎだよ、と思ったのですが、
・悲劇的なテーマ
・泣かせるメロディー
・メリハリの利いたオーケストレーション
あたりに共通点がありそうです。

オーケストレーションについて言えば、チャイコフスキーは交響曲をはじめ、オーケストラ全体で同じフレーズを演奏させる手法を多用しています。
いよいよクライマックス、というシーンで、この手法を使うと、なんとも扇情的な音の渦に呑み込まれる感じがします。

(例)交響曲第5番　第1楽章から

(クリックで拡大)

音符は読めない、という方でも、「楽譜を読む」ことはできるのです。

チャイコフスキーの交響曲第6番「悲愴」の第1楽章、展開部に入る直前の、クラリネットとファゴットの楽譜です。



クラリネットが沈鬱とした旋律を引っ張ってきた後、突然ファゴットに旋律が引き継がれます。
そして、目を疑うような弱音記号「pppppp」が指示されています。

CDを聴く時注意して聴いてみると、大抵の演奏では、ここはファゴットでなく、バスクラリネットで演奏されているのが分かります。確かに、クラリネット同士で引き継いだ方が音色もスムースにつながり、弱音もきれいに出ます。

チャイコフスキーの他の曲には良くバスクラリネットが登場しますが、なぜここでは、敢えてファゴットを使ったのでしょうか。

第1楽章冒頭部を聴くと、この曲はファゴットの旋律で始まっています。ファゴットは曲全体を覆うテーマのシンボルになっているのが分かってきます。
提示部の最後に、「pppppp」という弱音、クラリネットからファゴットの音色に変化させることで、救いようのない情念のため息のような、この曲のイメージを定着させようという試みのような気がします。

この部分はバスクラリネットではなく、ファゴットによる暗示されたモティーフをきちんと表現するような演奏が正解ではないか、と、楽譜を読み解くことができないでしょうか。

クラシック音楽の歴史に残る名曲・名演奏の中から、今回取り上げる1曲は…


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チェロ協奏曲 ロ短調 op.104
アントニン・ドヴォルザーク
小澤征爾指揮
ムスティスラフ・レオポリドヴィチ・ロストロポーヴィチ(Vc.)
ボストン交響楽団
1985

Concerto in B minor for Cello and Orchestra, Op. 104
Antonín Dvořák
Seiji Ozawa
Мстислав Леопольдович Ростропович(Vc.)
Boston Symphony Orchestra
1985

古今のチェロ協奏曲の傑作として知られる、ドヴォルザークのチェロ協奏曲です。
交響曲第9番「新世界より」がアメリカで書かれたように、この曲もアメリカで作曲されました。アメリカの黒人霊歌や民俗音楽の要素が色濃く盛り込まれています。

この曲の面白いところは、完成間もなくドヴォルザークがチェコに帰った後、ボヘミアで最後の部分が大幅に書き換えられたことです。激しいテンポアップとともに、第1楽章の回想と、ボヘミアの香りのする歌曲の旋律が追加されました。聴く者にとっては、曲の大詰めでいやと言うほどの魂の叫びを浴びせかけられます。
土臭く郷愁に満ちたこの曲を聴いたブラームスは 「チェロでこのような曲が書けると知っていたならば、私が書いていたであろうに」 と感嘆したと言うエピソードは有名です。
美しいメロディーを作り出すことに大変な労苦を必要としたブラームスは、弟子ドヴォルザークが次々と美しいメロディーを生み出すので、その才能を羨望していたようです。

今回ご紹介する「名演」は、ロストロポーヴィチ自身が会心の演奏だと認め、今後この曲は一切録音しないと言った、巨匠「自薦」の演奏です。
ロストロポーヴィチは親日家で、よく日本を訪れてくれました。日本全国をめぐるキャラバンコンサートを何度も行っており、阪神・淡路大震災の後に神戸で慰安のコンサートを催し、アンコールで涙を流しながら演奏したエピソードもあります。
指揮者の小澤征爾とは非常に仲が良く、この演奏も阿吽の呼吸なのか、彼らしさが最高に引き出された、非常に伸びやかで艶っぽい演奏です。

これだけの名演が、こんな値段で買えてしまうことが、なんだか心配にすらなります。。

クラシック音楽の歴史に残る名曲・名演奏の中から、今回取り上げる1曲は…



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ドレスデン国立歌劇場が来日し、R･シュトラウスの「ばらの騎士」を公演しました。
指揮者の交代や歌手降板などのハプニング、公募で選ばれたワンちゃんが舞台に登板など、話題の多い公演でしたが、この舞台に立った唯一の日本人が、ゾフィー役の森麻季さんです。

森麻季さんは日本を代表するソプラノ歌手で、「コロラトゥーラ」という細かくて美麗な装飾を施した旋律を歌える方です。名門ドレスデンで舞台に立ち、今回の日本公演にも合流しました。

実は彼女自身が言う通り、彼女の声にはある種の限界があるとも言えます。
私は、それが彼女の個性だと感じています。

今回のゾフィーは森麻季さん。
栄えある凱旋公演でしたが、少し緊張気味？
透明感のある声なんだけど、周りの歌手たちと比べると、やはり声量不足は否めません。
ただ、この日１階で聴かれたyokochanさんは、「よくとおる声だった」と仰っていましたので、席の関係かもしれませんね。
【ETUDE 2007年11月より引用】

持ち前の美声からヴィブラートを抑えたピュアな発声によって曲の美しさが浮き彫りになり、一途に歌詞に向き合った歌唱によって深く切実でスピリチュアルなメッセージを聴く者の心に直接届けます。大げさな虚飾を排した真摯さ・誠実さが最高の表現に結実する、森麻季ならではの「表現」世界が、ここに結実しました。
【森麻季姫のニューアルバム - ＴＥＡＲＯＯＭ　ＮＯＤＯＫＡ楽天広場店より引用】

音符は読めない、という方でも、「楽譜を読む」ことはできるのです。

楽譜を「読む」つまり譜読みについて、クラシック音楽に興味を持った方がその先の世界へ足を踏み入れるきっかけになるよう、このコーナーを開設しました。

第一章
http://classicjourney.seesaa.net/article/48396388.html
そもそも「譜読み」にはどういう意義があるのか。なぜ音楽の理解に「譜読み」が重要なのか。
譜読みに関心をもって頂くための導入部。

第二章
http://classicjourney.seesaa.net/article/48588376.html
オーケストラ・スコアの紹介。実際に「譜読み」をしてみます。譜読みの楽しさを実感して頂きます。

第三章
http://classicjourney.seesaa.net/article/48399440.html
譜読みをする上で役に立つ、ガイドブックを紹介します。

音符は読めない、という方でも、「楽譜を読む」ことはできるのです。

スコアを始めて手にする人には、ガイドがあるとよいでしょう。
私が読んだガイドブックの中から、お勧めの３冊を紹介します。

まずは、スコアを出版している大手の全音からの一冊。題名はそのものずばりの「スコアリーディング」です。
オーケストラを構成する楽器たちと、それらがスコアの中でどのように「つながって」いくのかが分かりやすく解説されています。値段もとってもお手頃です。
オーケストラがどういう楽器で構成されているのか、大体はご存知かも知れませんが、では、作曲家が交響曲などを書くとき、それぞれの楽器にどういう役割を与えることが多いのか、どういうつながりをもって音楽が進行していくのか。ここに書かれていることは、音楽を本格的に理解する上で必要な要素です。

スコアリーディング (スコアを読む手引き)



続いての一冊も、オーケストラすなわち交響楽団の構成について、よりヴィジュアルに解説されているガイドブックです。楽譜というよりは、演奏についての理解を深める上で役に立ちます。一気に読んでしまえる、楽しめる一冊です。

はじめてのオーケストラ・スコア―スコアの読み方ハンドブック



続いては、『N響アワー』でおなじみの池辺晋一郎による入門書。作曲家みずからが書いた本なので、なるほど楽器をどう「鳴らす」か、メロディーはどこに現れるのか、など、作曲者の意図を読む方法がふんだんに紹介されています。
それと合わせて、コラムがとても面白い。入門書ですが、オーケストラや音楽にある程度の関わりをもっている人にも初めて聞くエピソードが目白押しです。

オーケストラの読みかた―スコア・リーディング入門



どれも「入門」と書かれていますが、いつまでも繰り返し読み返すガイドとして長く使えますし、すでにクラシック音楽と長く付き合っている人にも、それゆえの新しい発見や楽しみ、知識の整理に役にたつはずです。
スポーツでも釣りでも、始めるときにはガイドが必要ですよね。クラシック音楽もそうですよ。